AVISO DE SPOILERS: No me gusta desvelar el final ni las claves de las películas, por lo general. Procuro hacer las reseñas con cuidado, pero es inevitable a veces tener que "destripar" algún aspecto de algún argumento. Sirva esto de aviso, bajo vuestra propia responsabilidad.
Dirigida por Hayao Miyazaki (Nausicaä del valle del viento, Ponyo, Porco Rosso), con las voces de Hitoshi Takagi (Pikachu's Rescue Adventure, Noir), Noriko Hidaka (Ranma ½, Inu-Yasha, Kenshin, Death Note) y Chika Sakamoto (Shamna King, Digimon, Rugrats, Pokemon, Fushigi Yūgi, Nausicaä del valle del viento). Estrenada en 1988, y reestrenada en España en 2009, con una duración aproximada de 86 minutos.
Narra la historia de Satsuke y Mei, dos hermanas que, junto a su padre, se mudan a una casita en el campo. Allí, las dos niñas descubren a los duendes del polvo y a los espíritus del bosque, trabando amistad con el mismísimo rey del bosque, Totoro.
Es una preciosa fábula que de una manera tierna y poética muestra la tradición japonesa y los conceptos más básicos de la religión sintoista, como si de una explicación para niños se tratase, apelando a la magia y a la fantasía más literal para comprender los fundamentos de una religión tan sencilla y compleja a la vez.
Sirve también de aproximación también para contemplar la vida rural japonesa, y permite apreciar, entre otras cosas, la distribución de la casa tradicional japonesa, la planta irregular, y los espacios abiertos para convivir con la naturaleza, de una manera casi inconsciente.
Una historia adorable y dulce, de esperanza e ilusión, que transmite ese espíritu infantil de ánimo frente a la adversidad. El dibujo y la animación están muy cuidados, resultando también en lo estético muy agradable. El diseño de personajes está excepcionalmente cuidado, de forma que el diseño, por ejemplo, de Totoro o del Gatobús ha trascendido, hasta convertirse en icónico dentro de la cultura actual.
En definitiva, una historia imprescindible para niños y mayores, que deja una amplia sonrisa inmensa y una sensación de placidez.
Dirigida por Luis Buñuel (Un perro andaluz, La edad de oro, El gran calavera, Ensayo de un crimen, Nazarín, La joven, Viridiana, La vía láctea), y protagonizada por Alfonso Mejía, Roberto Cobo (Subida al cielo, El lugar sin límites, Dulces compañías), Miguel Inclán y Estela Inda. Estrenada en 1950, con una duración aproximada de 88 minutos.
Narra la vida y miserias de Pedro, un muchacho de los bajos fondos, desde la reaparición en su vida y en la de su pandilla de Jaibo, uno de los chicos mayores, que vuelve del reformatorio y les dirige en su pillaje; y como en medio de la miseria parece no haber redención posible.
Buñel tuvo grandes problemas a la hora de distribuirla en México, por la feroz crítica social en que incurría. Sin embargo, fue un gran éxito a nivel internacional, lo que le otorgó, por una parte, gran reconocimiento y prestigio, y por la otra, la posibilidad de continuar trabajando en el país. Para poder ser estrenada, Buñuel fue obligado a rodar un final alternativo, un happy end que suavizara su crudeza. La película trascendió con el final original, y fue galardonada en Cannes, lo que conllevó al arrepentimiento del cine mexicano, que posteriormente encumbró la película.
Personalmente, no me gusta demasiado. Por supuesto, reconozco su gran valor artístico e histórico, es una película excepcional y muy valiosa, pero no por ello voy a convertirla en una de mis favoritas. La he visto, varias veces, necesitaré verla algunas más, pero únicamente desde el interés académico y formativo.
Dirigida por Gary Trousdale y Kirk Wise, con las voces de Paige O'Hara, Robby Benson, Rex Everhart, Angela Lansbury (La bruja novata, Se ha escrito un crimen), Jerry Orbach (Dirty Dancing), David Ogden Stiers, Bradley Pierce, Richard White, Jesse Corti. Con una duración aproximada de 85 minutos, fue estrenada en 1991. Fue la primera película de animación nominada al Oscar como mejor película (previamente a la creación de la categoría de mejor película de animación) y como mejor sonido, y ganadora al Oscar a mejor banda sonora, de Alan Menken (La sirenita, Aladdin, Pocahontas, El jorobado de Notre Dame, Hércules) y a la mejor canción con Beauty and the Beast, compitiendo en esta categoría con otras dos canciones del mismo film, Belle y Be our guest. Adapta la versión de Jeanne-Marie Leprince de Beaumont de la historia original de Gabrielle-Suzanne Barbot de Villeneuve.
Bella es una muchacha soñadora y enamorada de los libros, que vive con su padre a las afueras de un pueblecito francés cualquiera. Es pretendida por Gastón, un engreído cazador sin escrúpulos. Un día, su padre desaparece, y al ir en su busca, Bella lo encuentra cautivo en un castillo, donde una feroz Bestia le ha encerrado. Bella se cambia por su padre, para que este no muera enfermo en la celda, y los habitantes del castillo, fruto de una maldición, la ven como esperanza de romper el hechizo y recuperar su forma humana. Viviendo en el castillo, Bella comienza a enamorarse de su captor, pero debe separarse de su lado, pues descubre que su padre ha ido a buscarla, se ha perdido, y está moribundo. Bestia, enamorado, la deja marchar. Al volver a su hogar, Gastón, movido por los celos, y los hombres del pueblo deciden atacar a la horrible Bestia malvada, quien, desolado por la pérdida de su amada, no tiene fuerzas para luchar...
Una historia de amor cautivadora, y un musical maravilloso, realizado como si de una obra de Broadway se tratara, no es simplemente una película en la que de vez en cuando cantan, sino que está tratada como una obra musical de teatro. Preciosista, con una riqueza visual maravillosa. Narrada de una forma muy amena, con una historia bien desarrollada. Marcó un punto de inflexión dentro del estudio Disney, por el gran éxito que alcanzó, llegando a ser añadida al Registro Nacional de Películas de Estados Unidos como “Culturalmente e Históricamente significante” en el año 2002. Tres años de producción fueron necesarios para dar vida a esta historia, en la que hasta el último detalle escenográfico está cuidado. Pese a que el planteamiento no olvida en ningún momento a qué público va dirigida, narra la historia de manera que trascienda, que la haga disfrutable para todos los públicos, aunque para un adulto pueda resultar predecible. Es un cuento edulcorado, y como tal, cualquier adulto puede conocer su final desde las primeras líneas, pero también es un cuento magistralmente contado, magistralmente hilado por la música, en el que no tiene por qué ser lo más importante conocer cómo termina la historia. El castillo es una obra maravillosa, los grandes salones rococó, los tejados con terroríficas gárgolas que se transforman en delicadas figuras, el techo del salón de baile, los oscuros pasillos tornasolados...
Es la película de mi infancia. Me encantaban muchas, e incluso de pequeña no me limitaba a ver la misma cinta una y otra vez, variaba mucho, pero esta siempre era especial. Hoy he ido a verla al cine, en su reestreno con la tecnología 3D. Y ha sido como si volviera a ser una niña, viéndola de nuevo por primera vez. Me he estremecido, he estado a punto de llorar, me he quedado sin aliento, me he enamorado, he sonreído, me he enfadado... como la primera vez. También he cantado, todas las canciones. Y he suspirado de alivio cuando he visto que la flecha solo hería a Bestia, he contenido el aliento cuando caía el último pétalo, rezando porque las palabras de Bella hubieran llegado a tiempo, y me ha dado un saltito el corazón cuando en los ojos del Príncipe he visto a Bestia. He disfrutado con Lumiere y Din don, me he enternecido con Chip, he temido a los lobos, y he recriminado a Bestia que debería controlar su genio. Me he maravillado con la biblioteca como si no la desease desde hace tantos años, y he deseado para mí el momento en el que bailan.
Otro aspecto que en lo personal es bastante especial en mí, al que debo hacer mención, es que hay una frase en concreto que me ha marcado mucho más de lo imaginable. "Si no es Barroco, es barraca". Ya de pequeña, esa frase me llamaba mucho la atención, y me predispuso la afición por el Arte que hace ya cuatro años se convirtió en mi carrera profesional.
Concluyo con un vídeo, la calidad es mala, pero la magia... ¡ah!, la magia se conserva intacta.
Dirigida por Jeremy Leven (La leyenda de Bagger Vance, El diario de Noah), y protagonizada por Johnnie Depp (Piratas del Caribe, Sleepy Hollow, From Hell, Miedo y asco en Las Vegas), Marlon Brando (Un tranvía llamado deseo, El padrino, Superman, Apocalypse now) y Faye Dunaway (Bonnie and Clyde, Los tres mosqueteros, El coloso en llamas, Network, Chinatown). Estrenada en 1995, con una duración aproximada de 97 minutos.
Un joven enmascarado sobre un cartel publicitario amenaza con suicidarse, y pide para ello enfrentarse con un gran espadachín. Es disuadido de su intento de suicidio por un psiquiatra a punto de jubilarse, quien se encargará de evaluar su condición mental y decidir si el joven es internado en el hospital psiquiátrico, o bien dado de alta. En las sesiones, el joven cuenta su historia, él es Don Juan, el mayor seductor y conquistador de la historia, destinado al amor desde el enamoramiento de sus padres, y ahora desesperanzado por no ser correspondido por la mujer a la que verdaderamente ama. Al investigar sobre el chico, el doctor comienza a dudar del trastorno mental que se le diagnostica, creyendo la historia que le narra, hasta que encuentra a la abuela del protagonista, quien le explicará una realidad muy diferente, que "condena" al muchacho. Las conversaciones con el joven permiten además al médico recuperar la magia de su matrimonio, su simpatía hacia su paciente crece por momentos, pero llega un punto en el que las distintas realidades cobran tal fuerza que es imposible distinguir entre ellas para discernir el futuro de Don Juan.
Con una reconocida banda sonora, cuyo tema principal interpreta Bryan Adams, es un duelo interpretativo entre Brando y Depp, en el que el veterano sale victorioso, aunque Depp no sale mal parado. Una película ante todo romántica, pero centrada en el amor sensual, no llegando a distinguirse cuándo "amar" se refiere a querer sentimentalmente y cuándo se refiere a las artes amatorias, en la que, sin embargo, no se vulgarizan las conquistas del protagonista. Por otro lado, el juego entre las dos realidades mantiene en tensión al espectador, el comienzo de la historia que cuenta Don Juan es muy real, posible, tangible, y esa credibilidad inicial es la que mantiene la sensación de que el resto de su narración es igualmente verídica; la historia de la abuela, y las conjeturas que se crean alrededor, son un jarro de agua fría, que hacen pensar que el aventurero protagonista realmente está enfermo. El final deja abiertas ambas puertas, concluye la historia, pero puede ser tanto una conclusión real, como metafórica, o incluso una ilusión completamente ficticia, que cada uno escoja en función de cuánto y cómo se haya enamorado durante la película.
Particularmente, me ha gustado bastante, aunque el doblaje no le hace justicia (la voz de Depp es muy madura, demasiado para el joven que interpreta), y me ha dejado con las ganas de verla de nuevo, en versión original, para poder valorarla mejor. Es una de esas películas dulzonas, que te dejan después una sonrisa tontorrona, un rato agradable, para pasar en buena compañía, y suspirar mucho.
Dirigida por Félix Viscarret (Dreamers, Canciones de invierno) y protagonizada por Alberto San Juan (Airbag, Entre las piernas, El otro lado de la cama, Días de fútbol), Emma Suárez (El perro del hortelano, La ardilla roja), Julián Villagrán (7 vírgenes, Azul oscuro casi negro) y la niña Violeta Rodríguez. Estrenada en 2007, con una duración aproximada de 100 minutos, se basa en la novela El trompetista del Utopía de Fernando Aramburu .
Benito es un vividor trompetista que se desplaza de la capital a su ciudad natal, Estella, obligado por su pareja sentimental, para que acompañe a su padre en sus últimos momentos. Allí recupera la relación con su hermano Lalo, y retoma el contacto con personajes de su pasado en la ciudad. Los dos hermanos acusan una vida desgraciada, por diversos motivos, y llevada de maneras prácticamente opuestas. Lalo, dedicado a la escultura en metal, ha buscado su felicidad al lado de Nines, que se adivina una adolescente precoz que terminó convirtiéndose en una madre soltera que malvive en una pequeña casita y una caravana. La muerte del padre, y la llegada de Benito, desestabilizan el equilibrio precario en el que se mantenían sus vidas, precipitándose hacia la tragedia.
Es una historia de almas perdidas, en las que algunas encuentran su camino y redención, y otras el alivio al sufrimiento. La relación entre Benito y Ainara, la hija de Nines, asusta por la irresponsabilidad del adulto, pero a la vez enternece, por la manera en la que crecen el uno con el otro. Nines carga sobre sus espaldas con el gran peso de su pasado, que no se explicita, pero se da a entender lo suficiente. Lalo es el frágil, el niño que nunca pudo crecer emocionalmente, aunque sea más maduro y responsable que su hermano en muchos aspectos, es un personaje que irradia ternura, pero que está condenado al destino que le llega.
Se trata de un drama muy duro, muy real, con personajes de verdad, que existen, y que a la vez son prototípicos, es una historia posible, verosímil, y a la vez no es más que una fábula sobre las dificultades de la vida. El final encierra esperanza, pero no otorga a los personajes la redención. No acaban viviendo felices para siempre, ni acaban solucionándose sus circunstancias personales. Simplemente, ponen un parche a sus sufrimientos, sin saber si durará, si no durará, si será bueno o será malo. Pero la película termina en el momento en el que ellos tienen ante sí la posibilidad de elegir la manera de vivir sus vidas, la manera de volver a empezar, el momento en el que todos los finales son posibles, dejando al espectador pensar cómo terminan realmente.
Me ha gustado bastante, dentro de que no es mi género favorito. Pero esa posibilidad de imaginar más allá del final, ese sentimiento general de esperanza y esa sensación de haber madurado, hacen el drama llevadero. Las constantes pinceladas de cariño entre los personajes hacen ver que no todo está perdido, y permiten creer en ellos más allá de sus actitudes y sus comportamientos.
Dirigida por Dave McKean (que se estrena en el mundo cinematográfico, es conocido por sus trabajos como portadista de Sandman, la ilustración de Batman: Arkham Asylum, Orquidea Negra), y protagonizada por Stephanie Leonidas (La fiesta del chivo, Cruzadas: atrapado en el pasado), Jason Barry (El año que murió Elvis, Collateral, En el valle de Elah), Gina McGee (Nothing Hill, Scenes of a sexual mature). Estrenada en 2005, con una duración aproximada de 96 minutos, fue galardonada con el premio al mejor maquillaje en el Festival de Cine Fantástico de Sitges. Fue escrita por Dave McKean y Neil Gaiman (Stardust, Coraline, Sandman, Neverwhere).
Cuenta la historia de Helena, una joven criada en el mundo circense que anhela dejar el circo de sus padres y vivir una vida normal. Pero, cuando su madre cae enferma, y la troupe se estabiliza, Helena se ve inmersa en un viaje por las Tierras Oscuras en busca del hechizo para despertar a la reina.
Es una obra onírica y maravillosa, en la que se nota la mano de Gaiman en la historia, y en algunos diálogos, ese toque de fantasía real, humanidad y humor. Una preciosa fábula sobre alcanzar la madurez, en la que McKean despliega todo su arte construyendo un mundo fantástico de un delicioso onirismo, su estilo habitual, y a la vez, completamente sorprendente y nuevo. La banda sonora, excepcional y evocadora, dota a los escenarios de vida, y los acerca todavía más al espectador. Es una película muy visual, en la que se impone la estética a la historia, pero sin descuidarla. Una obra pulcra y de calidad, muy diferente a lo que suele hacerse hoy en día.
La definiría como una mezcla de Stardust, Neverwhere, El Cristal Oscuro y Dentro del laberinto. De Stardust, la fantasía tierna y humana, de Neverwhere, los perfiles irregulares de la realidad, del Cristal Oscuro, el viaje para conseguir salvar el mundo, de Dentro del Laberinto, el viaje introspectivo y personal, que construye el carácter del protagonista.
Película dirigida por James McTeigue (Ninja assasin, asistente de dirección en Matrix y en Star Wars: El ataque de los clones) y protagonizada por Hugo Weaving (El señor de los anillos, Matrix, Babe el cerdito valiente), Natalie Portman (Star Wars, Mars Attack, Zoolander, Thor), Stephen Fry (Un pez llamado Wanda, Gosford Park, La Guía del Autostopista galáctico, Bones, Pocoyó, Sherlock Holmes II), John Hurt (Alien, el octavo pasajero, Harry Potter y la piedra filosofal, Crimen y castigo, Valiant, Los crímenes de Oxford) y Stephen Rea (El mosquetero, Entrevista con el vampiro); adaptación del cómic homónimo de Alan Moore y David Lloyd, realizada en el 2006, con una duración aproximada de 136 minutos.
La historia nos sitúa en un futuro distópico, en Londres, cuando Inglaterra se rige por un totalitarismo instaurado tras los ataques bacteriológicos, en el que el estrato mayoritario de la sociedad vive con relativa normalidad, pese a la represión, manifiesta en el toque de queda con el que empiezan los acontecimientos. Evey es una joven que sale después del toque, topándose con una patrulla de policía, cuyos abusivos miembros intentan forzarla. En ese momento, aparece un hombre enmascarado que se hace llamar V, quien rescata a la muchacha. A partir de este momento, por caminos diferentes en un medio y en otro, V y Evey desafiarán al sistema para devolver la libertad al pueblo inglés.
El cómic narra una historia moralmente durísima, con una gran carga de reflexión política y social, una historia que Moore desarrolla con maestría y fluidez, acompañado por los magníficos lápices de David Lloyd. La película, por contra, es una historia bastante más "light". Se ve obligada a alterar los hechos para adaptarlos a los mecanismos cinematográficos, que en algunos momentos llegan a trastocar por completo la esencia de lo que Moore quiso transmitir. Como adaptación, es bastante mala. Como película, normal, una buena cinta capaz de hacer unos números aceptables, que pasa sin pena ni gloria y que es poco probable que trascienda más allá por méritos propios.
Me encantó la película, y me fascinó el cómic, al que reconozco muy superior, y entiendo perfectamente que Alan Moore no quisiera relacionarse con la producción. Me parece que es una de esas películas que tienen un gran valor a nivel cultural (o subcultural, según se mire), puesto que permite e incita el descubrimiento del cómic, que posiblemente a mucha gente le pasase desapercibido antes. El mayor aporte de la cinta, al margen de esto, es, en mi opinión personal, las grandes escenas del principio y del final, que en papel, pese a ser también sublimes, sufren las limitaciones del medio, y que en movimiento, con efectos especiales y acompañamiento musical, llegan a su máximo esplendor.
