OTAKUART 2011

Los días 8, 9 y 10 de julio se han celebrado, por séptima vez, las jornadas de manga y anime Otakuart, en el Instituto Río Turia, organizadas por Studio Kat y por la Casa de Juventud de Quart de Poblet. Aunque no pudimos estar los tres días, sí que hemos disfrutado de buena parte de los eventos.

Salimos para Valencia el viernes a medio día, y ya desde el primer momento quedó claro que iba a ser un viaje memorable. Comprados los billetes por internet, resulta que solo se imprimió uno de los dos, y cinco minutos antes de que el bus saliera, estábamos correteando por la estación de un lado a otro, para conseguir una copia del segundo billete y poder viajar las dos. Tuvimos suerte, eso sí, de que el viaje fuese directo, sin parar en Teruel (como suele ser habitual), y llegamos antes de lo previsto, a las siete ya estábamos buscando la estación de metro. Mi relación con los metros es de amor/odio, y el de Valencia no iba a ser menos. Para empezar, sacar los billetes ya fue una pelea, y terminamos sacando los que no eran (de Zona A, cuando necesitábamos unos de Zona A-B, pero oye, eso que nos ahorramos). Por los túneles lo pasé igual de mal que siempre, soy un poquito claustrofóbica y me crea mucho agobio, pero llegamos a la estación de destino, sin más problemas, aunque una vez allí, tuvimos un momento de miedo, ya que no podíamos salir de la estación, las puertas no se abrían, teníamos que pedir ayuda, y no llevabamos los billetes adecuados, con lo que nos podían multar... Finalmente, nos lo solucionaron por interfono, y nos libramos. Encontramos el instituto sin demasiados problemas, y al entrar, el stand de información podía definirse con una palabra: caos. Nuestro correo de confirmación de pago, plazas y fotografías no había llegado, y nos tuvieron que hacer las acreditaciones en el momento, junto con otro montón de gente en circunstancias parecidas, junto a las tripulaciones que recogían sus puntos, y acampados con acreditaciones que trataban de recuperar sus cosas del guardarropa para instalarse en la zona de acampada. Aquello era tan caótico que al final un miembro de la organización (al que estoy enormemente agradecida) tuvo el detalle de guiarnos hasta el gimnasio. Entramos, encontramos una parcela, y nos dijeron que podíamos acampar fuera si recogíamos pronto por la mañana, así que salimos de aquel horrible horno. La tienda, una de estas que "se montan solas" "en dos segundos", sí, esas que en el anuncio casi parece peligroso mantenerse cerca cuando las abres, decidió que esa no era su vocación, la sacamos y se quedó plegada, tuvimos que abrirla manualmente. Metimos las cosas, y fuimos por algo de comer. Encontrar el Mercadona sí que fue una odisea, y eso que estaba en la calle de al lado. A la vuelta, hinchamos las colchonetas. Yo tuve mucha suerte, la mía apareció pinchada, así que me tocó dormir en el suelo. Je, dormir. Estábamos agotadas, así que cerramos pronto la tienda. Pero la gente tenía ganas de marcha, y pasaron toda la noche hablando. Incluso un grupo nos despertó, nos abrió la tienda, y nos hicieron salir, para nada. Les echaron la bronca pronto, pero justo después de molestarnos a nosotras, así que como si nada. También recuerdo que cuando estaba a punto de dormirme, dieron las luces del recinto (el único momento en el que las dieron en todo el fin de semana). Entre los avatares de la noche, chillidos y alaridos que invitaban a pensar que dentro del pabellón se estaba llevando a cabo la matanza de Texas, dormir en el suelo, la luz del amanecer, y que a las seis de la mañana ya había gente depierta, hablando y armando jaleo, fue imposible dormir ni descansar tan apenas (aunque eso no me impidió tener un disparatado sueño que mezclaba realidad y ficción, y que, lo siento por los curiosos, pero me guardo para mí).

Pues eso, que el sábado nos levantamos tempranísimo, nos arreglamos, recogimos las cosas en el gimnasio, y salimos a desayunar a una terracita, cogiendo fuerzas para aprovechar el día. Lo primero que hicimos fue el recorrido de rigor por los stands, arriba y abajo, así como las primeras compras. A continuación fuimos al escenario, que es el espacio al que más atención le hemos prestado, en gran parte por su comodidad (asientos cómodos, sombra, espectáculo...). Lo primero que vimos fue el Password, con concursantes que no conocían cosas como Megaupload, y otros que averiguaban Redtube a la primera. Después hicimos otras compras, perdiendonos parte del KATraoke, aunque por suerte PortalManga ha hecho un bonito vídeo resumen del sábado en el que escuchamos la parte que nos perdimos. Tras los participantes, algunos miembros del staff cantaron una canción que destroza todos los límites de la ética, la moral y el buen gusto, que nos dejaron en estado de shock, y que Pedro Kat se encargó de suavizar cantando una oda al porno, la canción de Playdoh, y Dragonas Macizorras (que ha pasado directamente a convertirse en una de mis canciones de coña más favoritas del mundo mundial). Ya que estábamos, nos quedamos al concurso de Talento Idol, en el que Conan el Bárbaro (a.k.a. Conan el Tirillas) participó como diva del pop, el Judío no podía competir contra dos tetas, y un miembro del staff que tenía fresas en los pantalones no ganó, pero lo merecía. Aprovechamos después del concurso Idol para comer, la cafetería de Otakuart tenía un menú estupendo, perrito caliente (con o sin menstruación) más bebida por 3 euros; y un menú suicida (con la que estaba cayendo de calor), que consistía en ramen más bebida por 3 euros. Yo me decanté por el perrito, Raquel prefirió el suicidio. Ya por la tarde, vimos el concurso de cosplay veraniego (poca gente, y como el 70% de participantes, de One Piece), del que hay poco que reseñar, victoria muy merecida para un grupo que, aunque iba de One Piece, hizo una divertida performance con una adaptación de la canción Mi sueño es, de Enredados. Al concurso de Dance no le prestamos atención, ver gente bailando al borde del colapso no me resulta entretenido en absoluto. Así que estuvimos viendo la batalla campal de softcombat. Lo cierto es que me fastidió un poquito perderme el Humor Amarillo y el Torneo de Quidditch (pese a que no me gusta Harry Potter, gente tratando de hacer deporte sobre escobas tuvo que ser divertido de ver). El día terminó con el Silent Otakuart, inspirado en el programa de televisión de MTV Silent Library, en el que los concursantes sacaban una bolita al azar, y quien tuviera la bola negra, pringaba. No recuerdo todas las pruebas, pero sí unas cuantas: lengua de fuego (beber tabasco), otra de maquillaje facial de yogur (y un rato después, limpiarle la cara al del yogur a lametazos), la ducha negra (con coca cola), comer comida de gato... y para mi gusto la peor, un vasito de agua. En realidad era una infusión. De calcetín sucio de un miembro del público que se ofreciese voluntario con los pies especialmente sudados. Sin embargo, la mejor prueba con diferencia que vimos el sábado estaba fuera de programa, para rellenar y hacer tiempo. Se pidió a un grupo de chicas y a un grupo de chicos como voluntarios. Consistía en que un chico subía al escenario, y una rueda de unas cuarenta chicas le daban guantazos con toda su alma. Increíblemente, subieron muchos chicos (casi tantos como chicas), al primero no le dejaron aguantar más de cuarenta bofetadas, sin embargo, después hubo uno que aguantó hasta cien, se saltaron dientes, sangraron narices, a uno se le despellejó la mejilla, otro acabó con un moratón en toda la mejilla... Los golpes se escuchaban sin micrófono desde la platea. No imaginan uestedes cuánto me pude reir. Al cierre del recinto, repetimos el proceso del día anterior, Mercadona, y sacar el campamento afuera. El sábado sí que se pudo dormir, medianamente bien, aunque en el suelo.

El domingo levantarse costó un poquito más, aunque no demasiado. También recogimos y fuimos a desayunar. Sin embargo se notaba más el cansancio, hasta el punto de que decidimos pasar el día en el escenario. Al volver de desayunar cogimos sitio, y nos enteramos de que esa noche habían robado un bafle. No sería lo único que pasase. Tras un Battle Cosplay brevísimo y tremendamente absurdo, llegó el concurso de karaoke, en teoría individual, pero la primera actuación ya fue de una pareja. La mejor actuación, sin embargo, quedó truncada, un hombre interpretó la canción One Wingerd Angel, de Final Fantasy VII, y que tuvo la mala suerte de quemarse el segundo bafle mientras cantaba. Bueno, también tuvo la mala suerte de que hubo un grupo de personas que no pararon de gritarle y abuchearle, igual que hicieron con una chica disfrazade de Hatsune Miku a la que llegaron a gritar que se muriese de una vez. El vacío sin amplificadores se llenó con un chico que subió a cantar con su guitarra y su armónica, y luego con gran parte del público en el escenario cantando los openings de Digimon, el de Pokemon, Camino Moria... Luego hubo un concurso, ¿Es cola o es mierda?, una cata de refrescos de cola, en la que había que adivinar la marca y variedad (sin cafeína, con limón, light...). Por si eso era muy fácil, hubo algunas mezclas, como la de coca-cola con batido de fresa, que probó además un miembro de staff, dijo que estaba bueno, y hubo palos para probarlo por gente del público (al igual que los había por que les dieran las latas gratis con el sobrante de las catas, sin importar que fueran del Consum, o Pepsi); y la que yo nunca lograré entender: coca cola con paté de jamón, lo probó el mismo miembro de staff de antes, casi echó la pota, y el público... volvió a pegarse para intentar probarlo. En fin. Los de Ruleta Rusa volvieron a aprovechar el escenario (como ya hicieran el día anterior, con el bukkake de leche condensada, buscadlo por Youtube), esta vez para un concurso de Miss Otakuart 2011, en el que estuvo casi a punto de resultar ganador un chico (y si no ganó, puedo asegurar que no fue porque yo no le animase). También por Ruleta Rusa, pero no sé en qué momento, fue el quizz del gorro de beber, en el que mezclaron multitud de líquidos de todos los tipos (incluyendo fluidos corporales, en forma de escupitajos). Y hubo gente que se puso las botas de beber... A la hora de comer, tuvimos la desgracia de que se agotaron los perritos calientes, así que nos vimos obligadas a pedir el menú suicida. Por la tarde, el concurso de cosplay tradicional tuvo actuaciones muy buenas, aunque en mi opinión el premio no fue justo. Destacó de la tarde también la polémica que hubo dentro de la competición de tripulaciones. El Team Putis se alzaba como claro vencedor, aunque, según decían las otras tripulaciones, por medios turbios. Carecían del favor del público, que estaba completamente entregado a Spuderman y los Pegamoides, y a la alianza de tripulaciones que encabezaban (aunque al final dicha alianza no fue permitida). Se sometió a varias pruebas de humillación a miembros de las tripulaciones, aunque finalmente se abandonó el asunto, por la tensión evidente que había en el ambiente. Merendé chocopolo, que me parece algo muy digno de mención dado que es lo más parecido que he encontrado al que era mi helado favorito de pequeñísima (mi primer recuerdo con helado, de hecho), y que hace años que han dejado de fabricar. La clausura del evento, con bastante retraso sobre la hora prevista, supuso la victoria del Team Putis, aunque Pedro Kat tuvo unas duras palabras (entiendase "duras" dentro del ambiente lúdico-festivo imperante) hacia la competitividad y hacia las actitudes que habían empañado (ligeramente) la conclusión del evento. Una vez ya concluído, la gente se fue. Y nosotras entramos en pánico, porque no quedaba nadie que acampase, y temimos haberlo mirado mal, por suerte no fue así, y pasamos lo que quedaba de tarde y la noche con una pareja muy simpática de Murcia, y con una amiga de Spuderman y compañía, que no se quedó a dormir, pero se fue mucho más tarde. Como estábamos para dormir unas diez personas, decidimos acampar dentro la última noche, y la organización nos dejó dormir en colchonetas (aunque oficialmente estaba prohibido, como la gente había hecho lo que le había dado la gana, nos dijeron que si luego lo recogíamos no pasaba nada). Nosotros dejamos todo como lo encontramos, pero eso no fue impedimento para que la señora de la limpieza que vino por la mañana nos echase la bronca y pretendiera hacernos recoger (¡escapamos antes!). Con calma, recogimos todo, nos despedimos de Pedro Kat y de otros dos miembros del staff que quedaban por allí, volvimos en el metro (esta vez, sin incidentes de ningún tipo, ¡y con el billete correcto!), hicimos algo de tiempo en Valencia, comimos y cogimos el autobús, que también llegó muy puntual tirando a pronto (Jiménez, esto no me lo hacías cuando iba y volvía de Murcia...). Yo sufrí una odisea particular con los autobuses urbanos para volver a mi casa, creí que me derretiría por el camino, milagrosamente no fue así, llegué y me metí a la bañera.

Como bonús, incluyo como parte de Otakuart 2011 que esta mañana he recibido el Albúm Amarillo del Listo, ese que reseñé para el concurso anteriormente en este blog ;)

INDIANA JONES Y EL REINO DE LA CALAVERA DE CRISTAL

Dirigida por Steven Spielberg () y protagonizada por Harrison Ford (Star Wars, Único testigo), Cate Blanchett (El Señor de los Anillos, Life Aquatic) y Shia LaBeouf (Transformers, Disturbia). Estrenada en 2008.

Permitanme que esta vez me salte el argumento, y vaya directamente a lo que importa. Es la cuarta parte de la archiconocida saga de Indiana Jones. De nombre. Y es que, con un par de cambios conceptuales, hubiera podido pasar por una película de aventuras normalita, y prescindiendo de los servicios de LaBeouf, podría haber llegado a ser una estupenda película de aventuras del estilo de las que no se hacen ya, tan apenas. Pero eso no era un éxito asegurado en el panorama actual, así que había que buscar algo que le diera tirón. ¿Qué? Indiana Jones. El regreso del gran arqueólogo, casi treinta años después.

Desde el primer minuto, no he podido más que ver horrorizada cómo destrozaban la esencia de una de las sagas más entrañables, que los de Historias vemos con especial cariño, con giros de guión sin pies ni cabeza, escenas para el lucimiento de un actor tanto pésimo como innecesario, eliminando además claves fundamentales. Indiana Jones lucha contra los nazis. Es parte de su encanto. Y no tiene sentido ni lógica decir que eso es porque el actor está más mayor, dado que hoy en día la caracterización o incluso el retoque digital hubieran sido viables y, en el peor de los casos, hubieran supuesto un daño menor a la saga. Tampoco era necesario crear un personaje que diera el relevo a Indy, si en la siguiente (sí, amigos, va a haber una quinta) también vamos a tener a Harrison Ford de protagonista.

Lo de escapar de una explosión nuclear en una nevera ya te dice que la película no va a regirse por ningún criterio con sentido en esta dimensión. Si eso fuera lo único, se lo perdonaría gustosa. Pero luego... desde la aparición de LaBeouf, la cosa cae en picado. Escenitas como la del combate de esgrima en los vehículos... Es que no me salen ni palabras. Y el final... ¿Alienígenas? ¿En serio? Iba a salvar una cosa, el reencuentro entre Indy y Marion, pero tal y como acaba ese asunto, a mi modo de ver, también lo estropean.

Es una amalgama de escenas inspiradas/copiadas/referenciales a otras películas, y me ha chocado mucho la relación directa que, en ese sentido, tiene con La Momia (la primera parte). Insectos carnívoros que devoran gente (en Indy hormigas rojas gigantes, en La Momia escarabajos), el descubrimiento arqueológico de un lugar perdido lleno de riquezas de museo, el personaje que juega a dos bandas, traiciona al prota, trata de robar todo lo que puede de esas riquezas, y por culpa de su ambición, termina pereciendo cuando (oh, otra coincidencia más) el lugar es destruído... ¿El género carece de originalidad, o es muy sospechoso todo esto? Viendo el precedente de las anteriores películas de Indiana Jones, me inclinaría a pensar en lo segundo. Reciclemos y mezclemos para sacar cuatro duros, mejor que ser originales...

Si no la han visto, no lo hagan, en serio, es mucho mejor vivir pensando que Indiana Jones es una trilogía.

KOKUHARU

Dirigida por Tetsuya Nakashima (Beautiful Sunday, Kamikaze Girls), y protagonizada por Takako Matsu (The Hidden Blade), Yoshino Kimura (A ciegas, Sukiyaki Western Django), Yukito Nishii (Pôru danshingu bôizu), Kaoru Fujiwara (20th Century Boys), Ai Hashimoto (Abatâ); estrenada en 2010, basada en una novela de Kanae Minato, de 2008.

Yuko Moriguchi, profesora de primaria, revela en su último día de clase un sorprendente acontecimiento. Dos de sus alumnos, allí presentes, son los responsables de la muerte de su hija. No revela sus nombres, pero expone sus historias particulares, de forma que sean perfectamente reconocibles. A partir de aquí, se van construyendo las distintas circunstancias en las que se desenvuelven las vidas de los alumnos tras la impactante revelación.

La película abre con una magnífica secuencia, de media hora, en la que la profesora cuenta la historia a sus alumnos, y poco a poco se van desvelando los rostros y las motivaciones de cada uno. Después de esta secuencia, asistimos al resto de confesiones, los diferentes puntos de vista de los implicados en el suceso, mediante flashbacks, al tiempo que las diferentes historias se entrecruzan, descubriendo que todos son víctimas y verdugos por igual.

A nivel técnico es muy buena, manteniendo con bastante equilibrio la coherencia narrativa entre los flashbacks y momento presente. Utiliza una fotografía fría, casi aséptica, como metáfora de la frialdad de las reacciones, el único personaje cálido y afectivo aparece retratado de manera casi patética. Emplea la banda sonora, y el sonido en general, para establecer un juego de sentimientos con el espectador. Además, resulta muy interesante el empleo del espejo como nexo, en algunas situaciones, evidenciando visualmente que nos enfrentamos a una realidad deformada, que nuestra realidad está deformada, y es diferente a como queremos creer, más fría, más descarnada, más cruel. Mantiene un ritmo pausado, típico del cine japonés, que permite al espectador asimilar con cierta tranquilidad la dureza de lo que transmite la historia. De esta forma, los acontecimientos más impactantes no se presentan de golpe, sorprendiendo, sino que el espectador tiene plena conciencia de la dureza de los hechos, elimina el factor del susto o sobresalto como atenuante, permite, y casi obliga, al espectador a reflexionar sobre las cuestiones que va planteando. El desarrollo de la narración, además, es parte de este juego, en el que se van invirtiendo los papeles, conduciendo a cada personaje de manera que se le pierda toda la empatía que en un primer momento logra con el espectador, se producen una serie de tensiones emocionales al ir descubriendo las auténticas personalidades y circunstancias de cada uno de los personajes. Hay que destacar además las brillantes interpretaciones, especialmente las de los muchachos, que saben, de manera muy convincente, dar vida a unos personajes sometidos a unas situaciones tan extremas.

Es una película muy dura y cargada de contenido. Una crítica feroz a muchos de los problemas de la sociedad japonesa, a través de una mirada directa, atenta y profunda a muchos de los temas hacia los que habitualmente en Japón se vuelve la cara. El papel de la mujer en el mundo laboral, la problemática de compaginar maternidad y trabajo, la concepción de ambos como excluyentes, la excesiva presión y carga de responsabilidad que reciben los maestros, los prejuicios todavía mantenidos de cara al SIDA, la deshumanización de la juventud, la ley del menor, la soledad, la desesperación cuando ya no importa nada, son algunos de los temas que se abordan. Temas que normalmente la sociedad japonesa rechaza, vuelve la espalda, agravándolos con ese silencio al que lo someten. En ese sentido, puede entenderse la película como una denuncia, ya que gran parte de todos los problemas que los personajes sufren podrían haberse evitado mediante la comunicación.

El final es excepcional, estructurado con este sistema de juegos que se ha desarrollado durante toda la película, permite intuir lo sucedido casi desde el primer instante, para luego ir explicándolo con todo lujo de detalles, recreándose en el sufrimiento de la consecución de la venganza, y concluyendo con una sensación amarga, en la que la bondad o la lástima desaparecen por completo. Visualmente es excepcional, contrasta mucho con el resto de la cinta, peca quizá en ese sentido de demasiado efectista, pero recreándose en la violencia y en la brutalidad, más de la situación y del contexto que del hecho en sí.

En definitiva, una película muy buena, impactante, y también muy dura, sin embargo, amable de ver, pese a su crudeza. La conocí a través del blog del Señor Nocivo, que recomiendo encarecidamente.

EL ALBUM AMARILLO DEL LISTO.

Escrito y dibujado por Xavier Águeda (El gran libro de la cinefilia). Publicado en 2011.

Compendio de tiras cómicas (para muestra un botón, elegido empleando el modo random de la página), de temas variados, con un sentido del humor entre tontorrón, ácido, ingenioso y mordaz, con un dibujo tosco y garabatil, que mantiene el peso de los guiones, y demuestra que no hace falta un buen dibujo para triunfar haciendo un cómic.

Debo decir, en primer lugar, que es la primera (y seguramente única) reseña/crítica/comentario que hago de un libro que no he leído. Así es, no he leído el Libro Amarillo, es más, ni siquiera lo tengo. Pero, que nadie se alarme, porque sí he leído las tiras. Se publican gratuitamente aquí: http://listocomics.com/ Y es que estamos ante la edición en papel de uno de los webcómics más destacados y con más solera de la blogosfera, no en vano comenzó a publicarse allá por el 2003.

Lo primero que hay que destacar es que te ríes. No tiene grandes arcos argumentales (ni pequeñitos), son chistes autoconclusivos, en formato página, tira, o viñeta, ajustándose siempre a sus ideas y necesidades, con un sentido del humor lapidario, algo gafapastil, a veces irreverente, otras simplemente absurdo, que igual no te arrancan carcajadas hasta el llanto, pero que siempre te sacan por lo menos una sonrisa.

En torno a esto, Águeda ha construido todo un personaje, el Listo, protagonista del cómic, que ha trascendido a las redes sociales, particularmente a twitter, que emplea a medio camino entre cuenta personal, de promoción, y medio para dar rienda suelta a todo ese humor que no le cabe en las viñetas.

Poco más queda por decir... Únicamente, ladies and gentlemen, invitarles a acercarse por su web.

P.D.: Vale, reconozco que hacer esta reseña justo ahora, en un momento en el que tengo el blog en parón (y así seguirá hasta verano) es algo puramente interesado, porque tiene un sorteo en el que ya participé vía twitter, pero me hacía ilusión participar también en la categoría grande... Prometo que me enmendaré, y que cuando tenga tiempo le reseñaré El Gran Libro de la Cinefilia (ese si lo tengo, garabateado y todo) como Dios manda.

OBLIVION ISLAND. HARUKA AND THE MAGIC MIRROR.

Dirigida por Shinsuke Sato (Gantz, Sunflowee, Spring snow), con las voces de Haruka Ayase (The magic hour, Happy Flight, Rookies), Miyuki Sawashiro (Di-Gi-Charat, Wolf's rain, Peacemaker, Saiyuki Gunlock, Rozen maiden, Fairy Tail), Tamaki Matsumoto (Doraemon, 20th Century Boys, Up, Les Misérables: Shōjo Cosette) e Iemasa Kayumi (Full Metal Alchemist, One Piece, Zatch Bell, Pokemon, Nausicaä del Valle del Viento, Ratatouille, Kill Bill, El señor de los Anillos, El padrino), estrenada en 2009, con una duración aproximada de 98 minutos.

Cuenta la historia de Haruka, una adolescente que perdió a su madre siendo niña, quedándole como único recuerdo material un espejito, que con el paso del tiempo queda olvidado, hasta que un día, casi por casualidad, llega a la Isla del Olvido, donde vivirá una mágica aventura en busca del espejo.

De una calidad técnica excepcional, combinando la imagen de una animación más tradicional con la clásica animación tridimensional y, en ocasiones, con un realismo casi fotográfico, es una delicia visual, la labor de fotografía es excelente. De realización muy mimada, prácticamente cada plano tiene su propio valor estético y artístico, con un colorido vibrante y gran nivel de detalle. La banda sonora envuelve y contribuye a crear una atmósfera absorbente, introduciéndonos en la Isla del Olvido. El guión combina el componente de la tradición japonesa, de gran peso, con la fantasía más tierna, creando una historia que, sin embargo, no tiene ningún requisito cultural, y funciona bien tanto en Japón como en Occidente.

Personalmente, me ha maravillado. Si bien es cierto que en algún momento flojea, no es menos cierto que crea un universo mágico envolvente, y en los momentos en los que la trama se ralentiza, la belleza de las escenas distrae, compensa, hasta hipnotiza, compensando las carencias que puede tener en su desarrollo. Muy notable y recomendable.

MI VECINO TOTORO

Dirigida por Hayao Miyazaki (Nausicaä del valle del viento, Ponyo, Porco Rosso), con las voces de Hitoshi Takagi (Pikachu's Rescue Adventure, Noir), Noriko Hidaka (Ranma ½, Inu-Yasha, Kenshin, Death Note) y Chika Sakamoto (Shamna King, Digimon, Rugrats, Pokemon, Fushigi Yūgi, Nausicaä del valle del viento). Estrenada en 1988, y reestrenada en España en 2009, con una duración aproximada de 86 minutos.

Narra la historia de Satsuke y Mei, dos hermanas que, junto a su padre, se mudan a una casita en el campo. Allí, las dos niñas descubren a los duendes del polvo y a los espíritus del bosque, trabando amistad con el mismísimo rey del bosque, Totoro.

Es una preciosa fábula que de una manera tierna y poética muestra la tradición japonesa y los conceptos más básicos de la religión sintoista, como si de una explicación para niños se tratase, apelando a la magia y a la fantasía más literal para comprender los fundamentos de una religión tan sencilla y compleja a la vez.

Sirve también de aproximación también para contemplar la vida rural japonesa, y permite apreciar, entre otras cosas, la distribución de la casa tradicional japonesa, la planta irregular, y los espacios abiertos para convivir con la naturaleza, de una manera casi inconsciente.

Una historia adorable y dulce, de esperanza e ilusión, que transmite ese espíritu infantil de ánimo frente a la adversidad. El dibujo y la animación están muy cuidados, resultando también en lo estético muy agradable. El diseño de personajes está excepcionalmente cuidado, de forma que el diseño, por ejemplo, de Totoro o del Gatobús ha trascendido, hasta convertirse en icónico dentro de la cultura actual.

En definitiva, una historia imprescindible para niños y mayores, que deja una amplia sonrisa inmensa y una sensación de placidez.

LOS OLVIDADOS

Dirigida por Luis Buñuel (Un perro andaluz, La edad de oro, El gran calavera, Ensayo de un crimen, Nazarín, La joven, Viridiana, La vía láctea), y protagonizada por Alfonso Mejía, Roberto Cobo (Subida al cielo, El lugar sin límites, Dulces compañías), Miguel Inclán y Estela Inda. Estrenada en 1950, con una duración aproximada de 88 minutos.

Narra la vida y miserias de Pedro, un muchacho de los bajos fondos, desde la reaparición en su vida y en la de su pandilla de Jaibo, uno de los chicos mayores, que vuelve del reformatorio y les dirige en su pillaje; y como en medio de la miseria parece no haber redención posible.

Buñel tuvo grandes problemas a la hora de distribuirla en México, por la feroz crítica social en que incurría. Sin embargo, fue un gran éxito a nivel internacional, lo que le otorgó, por una parte, gran reconocimiento y prestigio, y por la otra, la posibilidad de continuar trabajando en el país. Para poder ser estrenada, Buñuel fue obligado a rodar un final alternativo, un happy end que suavizara su crudeza. La película trascendió con el final original, y fue galardonada en Cannes, lo que conllevó al arrepentimiento del cine mexicano, que posteriormente encumbró la película.

Personalmente, no me gusta demasiado. Por supuesto, reconozco su gran valor artístico e histórico, es una película excepcional y muy valiosa, pero no por ello voy a convertirla en una de mis favoritas. La he visto, varias veces, necesitaré verla algunas más, pero únicamente desde el interés académico y formativo.

LA BELLA Y LA BESTIA

Dirigida por Gary Trousdale y Kirk Wise, con las voces de Paige O'Hara, Robby Benson, Rex Everhart, Angela Lansbury (La bruja novata, Se ha escrito un crimen), Jerry Orbach (Dirty Dancing), David Ogden Stiers, Bradley Pierce, Richard White, Jesse Corti. Con una duración aproximada de 85 minutos, fue estrenada en 1991. Fue la primera película de animación nominada al Oscar como mejor película (previamente a la creación de la categoría de mejor película de animación) y como mejor sonido, y ganadora al Oscar a mejor banda sonora, de Alan Menken (La sirenita, Aladdin, Pocahontas, El jorobado de Notre Dame, Hércules) y a la mejor canción con Beauty and the Beast, compitiendo en esta categoría con otras dos canciones del mismo film, Belle y Be our guest. Adapta la versión de Jeanne-Marie Leprince de Beaumont de la historia original de Gabrielle-Suzanne Barbot de Villeneuve.

Bella es una muchacha soñadora y enamorada de los libros, que vive con su padre a las afueras de un pueblecito francés cualquiera. Es pretendida por Gastón, un engreído cazador sin escrúpulos. Un día, su padre desaparece, y al ir en su busca, Bella lo encuentra cautivo en un castillo, donde una feroz Bestia le ha encerrado. Bella se cambia por su padre, para que este no muera enfermo en la celda, y los habitantes del castillo, fruto de una maldición, la ven como esperanza de romper el hechizo y recuperar su forma humana. Viviendo en el castillo, Bella comienza a enamorarse de su captor, pero debe separarse de su lado, pues descubre que su padre ha ido a buscarla, se ha perdido, y está moribundo. Bestia, enamorado, la deja marchar. Al volver a su hogar, Gastón, movido por los celos, y los hombres del pueblo deciden atacar a la horrible Bestia malvada, quien, desolado por la pérdida de su amada, no tiene fuerzas para luchar...

Una historia de amor cautivadora, y un musical maravilloso, realizado como si de una obra de Broadway se tratara, no es simplemente una película en la que de vez en cuando cantan, sino que está tratada como una obra musical de teatro. Preciosista, con una riqueza visual maravillosa. Narrada de una forma muy amena, con una historia bien desarrollada. Marcó un punto de inflexión dentro del estudio Disney, por el gran éxito que alcanzó, llegando a ser añadida al Registro Nacional de Películas de Estados Unidos como “Culturalmente e Históricamente significante” en el año 2002. Tres años de producción fueron necesarios para dar vida a esta historia, en la que hasta el último detalle escenográfico está cuidado. Pese a que el planteamiento no olvida en ningún momento a qué público va dirigida, narra la historia de manera que trascienda, que la haga disfrutable para todos los públicos, aunque para un adulto pueda resultar predecible. Es un cuento edulcorado, y como tal, cualquier adulto puede conocer su final desde las primeras líneas, pero también es un cuento magistralmente contado, magistralmente hilado por la música, en el que no tiene por qué ser lo más importante conocer cómo termina la historia. El castillo es una obra maravillosa, los grandes salones rococó, los tejados con terroríficas gárgolas que se transforman en delicadas figuras, el techo del salón de baile, los oscuros pasillos tornasolados...

Es la película de mi infancia. Me encantaban muchas, e incluso de pequeña no me limitaba a ver la misma cinta una y otra vez, variaba mucho, pero esta siempre era especial. Hoy he ido a verla al cine, en su reestreno con la tecnología 3D. Y ha sido como si volviera a ser una niña, viéndola de nuevo por primera vez. Me he estremecido, he estado a punto de llorar, me he quedado sin aliento, me he enamorado, he sonreído, me he enfadado... como la primera vez. También he cantado, todas las canciones. Y he suspirado de alivio cuando he visto que la flecha solo hería a Bestia, he contenido el aliento cuando caía el último pétalo, rezando porque las palabras de Bella hubieran llegado a tiempo, y me ha dado un saltito el corazón cuando en los ojos del Príncipe he visto a Bestia. He disfrutado con Lumiere y Din don, me he enternecido con Chip, he temido a los lobos, y he recriminado a Bestia que debería controlar su genio. Me he maravillado con la biblioteca como si no la desease desde hace tantos años, y he deseado para mí el momento en el que bailan.

Otro aspecto que en lo personal es bastante especial en mí, al que debo hacer mención, es que hay una frase en concreto que me ha marcado mucho más de lo imaginable. "Si no es Barroco, es barraca". Ya de pequeña, esa frase me llamaba mucho la atención, y me predispuso la afición por el Arte que hace ya cuatro años se convirtió en mi carrera profesional.

Concluyo con un vídeo, la calidad es mala, pero la magia... ¡ah!, la magia se conserva intacta.

DON JUAN DE MARCO

Dirigida por Jeremy Leven (La leyenda de Bagger Vance, El diario de Noah), y protagonizada por Johnnie Depp (Piratas del Caribe, Sleepy Hollow, From Hell, Miedo y asco en Las Vegas), Marlon Brando (Un tranvía llamado deseo, El padrino, Superman, Apocalypse now) y Faye Dunaway (Bonnie and Clyde, Los tres mosqueteros, El coloso en llamas, Network, Chinatown). Estrenada en 1995, con una duración aproximada de 97 minutos.

Un joven enmascarado sobre un cartel publicitario amenaza con suicidarse, y pide para ello enfrentarse con un gran espadachín. Es disuadido de su intento de suicidio por un psiquiatra a punto de jubilarse, quien se encargará de evaluar su condición mental y decidir si el joven es internado en el hospital psiquiátrico, o bien dado de alta. En las sesiones, el joven cuenta su historia, él es Don Juan, el mayor seductor y conquistador de la historia, destinado al amor desde el enamoramiento de sus padres, y ahora desesperanzado por no ser correspondido por la mujer a la que verdaderamente ama. Al investigar sobre el chico, el doctor comienza a dudar del trastorno mental que se le diagnostica, creyendo la historia que le narra, hasta que encuentra a la abuela del protagonista, quien le explicará una realidad muy diferente, que "condena" al muchacho. Las conversaciones con el joven permiten además al médico recuperar la magia de su matrimonio, su simpatía hacia su paciente crece por momentos, pero llega un punto en el que las distintas realidades cobran tal fuerza que es imposible distinguir entre ellas para discernir el futuro de Don Juan.

Con una reconocida banda sonora, cuyo tema principal interpreta Bryan Adams, es un duelo interpretativo entre Brando y Depp, en el que el veterano sale victorioso, aunque Depp no sale mal parado. Una película ante todo romántica, pero centrada en el amor sensual, no llegando a distinguirse cuándo "amar" se refiere a querer sentimentalmente y cuándo se refiere a las artes amatorias, en la que, sin embargo, no se vulgarizan las conquistas del protagonista. Por otro lado, el juego entre las dos realidades mantiene en tensión al espectador, el comienzo de la historia que cuenta Don Juan es muy real, posible, tangible, y esa credibilidad inicial es la que mantiene la sensación de que el resto de su narración es igualmente verídica; la historia de la abuela, y las conjeturas que se crean alrededor, son un jarro de agua fría, que hacen pensar que el aventurero protagonista realmente está enfermo. El final deja abiertas ambas puertas, concluye la historia, pero puede ser tanto una conclusión real, como metafórica, o incluso una ilusión completamente ficticia, que cada uno escoja en función de cuánto y cómo se haya enamorado durante la película.

Particularmente, me ha gustado bastante, aunque el doblaje no le hace justicia (la voz de Depp es muy madura, demasiado para el joven que interpreta), y me ha dejado con las ganas de verla de nuevo, en versión original, para poder valorarla mejor. Es una de esas películas dulzonas, que te dejan después una sonrisa tontorrona, un rato agradable, para pasar en buena compañía, y suspirar mucho.

BAJO LAS ESTRELLAS

Dirigida por Félix Viscarret (Dreamers, Canciones de invierno) y protagonizada por Alberto San Juan (Airbag, Entre las piernas, El otro lado de la cama, Días de fútbol), Emma Suárez (El perro del hortelano, La ardilla roja), Julián Villagrán (7 vírgenes, Azul oscuro casi negro) y la niña Violeta Rodríguez. Estrenada en 2007, con una duración aproximada de 100 minutos, se basa en la novela El trompetista del Utopía de Fernando Aramburu .

Benito es un vividor trompetista que se desplaza de la capital a su ciudad natal, Estella, obligado por su pareja sentimental, para que acompañe a su padre en sus últimos momentos. Allí recupera la relación con su hermano Lalo, y retoma el contacto con personajes de su pasado en la ciudad. Los dos hermanos acusan una vida desgraciada, por diversos motivos, y llevada de maneras prácticamente opuestas. Lalo, dedicado a la escultura en metal, ha buscado su felicidad al lado de Nines, que se adivina una adolescente precoz que terminó convirtiéndose en una madre soltera que malvive en una pequeña casita y una caravana. La muerte del padre, y la llegada de Benito, desestabilizan el equilibrio precario en el que se mantenían sus vidas, precipitándose hacia la tragedia.

Es una historia de almas perdidas, en las que algunas encuentran su camino y redención, y otras el alivio al sufrimiento. La relación entre Benito y Ainara, la hija de Nines, asusta por la irresponsabilidad del adulto, pero a la vez enternece, por la manera en la que crecen el uno con el otro. Nines carga sobre sus espaldas con el gran peso de su pasado, que no se explicita, pero se da a entender lo suficiente. Lalo es el frágil, el niño que nunca pudo crecer emocionalmente, aunque sea más maduro y responsable que su hermano en muchos aspectos, es un personaje que irradia ternura, pero que está condenado al destino que le llega.

Se trata de un drama muy duro, muy real, con personajes de verdad, que existen, y que a la vez son prototípicos, es una historia posible, verosímil, y a la vez no es más que una fábula sobre las dificultades de la vida. El final encierra esperanza, pero no otorga a los personajes la redención. No acaban viviendo felices para siempre, ni acaban solucionándose sus circunstancias personales. Simplemente, ponen un parche a sus sufrimientos, sin saber si durará, si no durará, si será bueno o será malo. Pero la película termina en el momento en el que ellos tienen ante sí la posibilidad de elegir la manera de vivir sus vidas, la manera de volver a empezar, el momento en el que todos los finales son posibles, dejando al espectador pensar cómo terminan realmente.

Me ha gustado bastante, dentro de que no es mi género favorito. Pero esa posibilidad de imaginar más allá del final, ese sentimiento general de esperanza y esa sensación de haber madurado, hacen el drama llevadero. Las constantes pinceladas de cariño entre los personajes hacen ver que no todo está perdido, y permiten creer en ellos más allá de sus actitudes y sus comportamientos.

MIRRORMASK

Dirigida por Dave McKean (que se estrena en el mundo cinematográfico, es conocido por sus trabajos como portadista de Sandman, la ilustración de Batman: Arkham Asylum, Orquidea Negra), y protagonizada por Stephanie Leonidas (La fiesta del chivo, Cruzadas: atrapado en el pasado), Jason Barry (El año que murió Elvis, Collateral, En el valle de Elah), Gina McGee (Nothing Hill, Scenes of a sexual mature). Estrenada en 2005, con una duración aproximada de 96 minutos, fue galardonada con el premio al mejor maquillaje en el Festival de Cine Fantástico de Sitges. Fue escrita por Dave McKean y Neil Gaiman (Stardust, Coraline, Sandman, Neverwhere).

Cuenta la historia de Helena, una joven criada en el mundo circense que anhela dejar el circo de sus padres y vivir una vida normal. Pero, cuando su madre cae enferma, y la troupe se estabiliza, Helena se ve inmersa en un viaje por las Tierras Oscuras en busca del hechizo para despertar a la reina.

Es una obra onírica y maravillosa, en la que se nota la mano de Gaiman en la historia, y en algunos diálogos, ese toque de fantasía real, humanidad y humor. Una preciosa fábula sobre alcanzar la madurez, en la que McKean despliega todo su arte construyendo un mundo fantástico de un delicioso onirismo, su estilo habitual, y a la vez, completamente sorprendente y nuevo. La banda sonora, excepcional y evocadora, dota a los escenarios de vida, y los acerca todavía más al espectador. Es una película muy visual, en la que se impone la estética a la historia, pero sin descuidarla. Una obra pulcra y de calidad, muy diferente a lo que suele hacerse hoy en día.

La definiría como una mezcla de Stardust, Neverwhere, El Cristal Oscuro y Dentro del laberinto. De Stardust, la fantasía tierna y humana, de Neverwhere, los perfiles irregulares de la realidad, del Cristal Oscuro, el viaje para conseguir salvar el mundo, de Dentro del Laberinto, el viaje introspectivo y personal, que construye el carácter del protagonista.

V DE VENDETTA

Película dirigida por James McTeigue (Ninja assasin, asistente de dirección en Matrix y en Star Wars: El ataque de los clones) y protagonizada por Hugo Weaving (El señor de los anillos, Matrix, Babe el cerdito valiente), Natalie Portman (Star Wars, Mars Attack, Zoolander, Thor), Stephen Fry (Un pez llamado Wanda, Gosford Park, La Guía del Autostopista galáctico, Bones, Pocoyó, Sherlock Holmes II), John Hurt (Alien, el octavo pasajero, Harry Potter y la piedra filosofal, Crimen y castigo, Valiant, Los crímenes de Oxford) y Stephen Rea (El mosquetero, Entrevista con el vampiro); adaptación del cómic homónimo de Alan Moore y David Lloyd, realizada en el 2006, con una duración aproximada de 136 minutos.

La historia nos sitúa en un futuro distópico, en Londres, cuando Inglaterra se rige por un totalitarismo instaurado tras los ataques bacteriológicos, en el que el estrato mayoritario de la sociedad vive con relativa normalidad, pese a la represión, manifiesta en el toque de queda con el que empiezan los acontecimientos. Evey es una joven que sale después del toque, topándose con una patrulla de policía, cuyos abusivos miembros intentan forzarla. En ese momento, aparece un hombre enmascarado que se hace llamar V, quien rescata a la muchacha. A partir de este momento, por caminos diferentes en un medio y en otro, V y Evey desafiarán al sistema para devolver la libertad al pueblo inglés.

El cómic narra una historia moralmente durísima, con una gran carga de reflexión política y social, una historia que Moore desarrolla con maestría y fluidez, acompañado por los magníficos lápices de David Lloyd. La película, por contra, es una historia bastante más "light". Se ve obligada a alterar los hechos para adaptarlos a los mecanismos cinematográficos, que en algunos momentos llegan a trastocar por completo la esencia de lo que Moore quiso transmitir. Como adaptación, es bastante mala. Como película, normal, una buena cinta capaz de hacer unos números aceptables, que pasa sin pena ni gloria y que es poco probable que trascienda más allá por méritos propios.

Me encantó la película, y me fascinó el cómic, al que reconozco muy superior, y entiendo perfectamente que Alan Moore no quisiera relacionarse con la producción. Me parece que es una de esas películas que tienen un gran valor a nivel cultural (o subcultural, según se mire), puesto que permite e incita el descubrimiento del cómic, que posiblemente a mucha gente le pasase desapercibido antes. El mayor aporte de la cinta, al margen de esto, es, en mi opinión personal, las grandes escenas del principio y del final, que en papel, pese a ser también sublimes, sufren las limitaciones del medio, y que en movimiento, con efectos especiales y acompañamiento musical, llegan a su máximo esplendor.

SECRETOS DEL CORAZÓN

Dirigida por Montxo Armendáriz (Las cartas de Alou, Obaba) y protagonizada por Andoni Erburu (Silencio roto, Jardines deshabitados), Carmelo Gómez (El perro del hortelano, La carta esférica), Charo López (La colmena, Kika), Silvia Munt (La pasión turca, El porqué de las cosas) y Vicky Peña (Dragón Rapide, La casa de Bernarda Alba). Estrenada en 1997, con una duración aproximada de 105 minutos, fue candidata al Oscar a mejor película de habla no inglesa.


Javi es un niño que vive con sus tías y su hermano en la ciudad, para poder ir aun buen colegio y recibir una educación que en el pueblo no podría recibir, lo que le mantiene en una burbuja al margen de los secretos familiares que conforman el mundo de los adultos. Con la ayuda de su hermano, poco a poco, va a ir descubriendo todos esos secretos que se guardan en el corazón.


Es una película preciosa, aunque un poco dura, desde la primera escena el espectador empatiza con Javi y va viendo como, poco a poco, su mundo de inocencia se va quebrando y, en algunos momentos, juega a ser adulto, mientras que en otros, simplemente, lucha por comprender la realidad. Y esa realidad es dolorosa, porque conlleva cambios vertiginosos que le son difíciles de asimilar. Sin embargo, irradia ternura, pese a su crudeza, es dulce y entrañable.

Tal como se me recomendó, "es muy bonita".

(500) DIAS JUNTOS

Dirigida por Marc Webb ("Manager and salesman", de The Office, Spiderman) y protagonizada por Joseph Gordon-Levitt (Beethoven, Diez cosas que odio de ti, Origen) y Zooey Deschanel (La guía del autoestopista galáctico, Tin Man), estrenada en 2009 con una duración aproximada de 95 minutos.

Narra la historia de Tom y su relación con Summer, desde su ruptura, de manera retrospectiva. Tom trabaja en una empresa de tarjetas de felicitación, se encarga de los textos. Allí conoce a Summer, recién llegada a la ciudad. Desde el primer momento, se enamora de ella, y comienzan una relación muy particular, sin etiquetas, que marcará definitivamente la vida de Tom.

Una preciosa película, con un sentido del humor capaz de sacar una sonrisa, que trata, ante todo, del amor. No solo es preciosa la historia, sino también estéticamente, siendo muy sencilla y cotidiana, los detalles están ciudados, y mantiene un aire de dulzura y una belleza hogareña. El vestuario de Summer es delicioso. Tal vez no sea una película que pase a la historia, pero es una agradable forma de pasar una hora y media. La banda sonora también es estupenda, muy cuidada, plagada de temas pop clásicos.

Con esta, quiero hacer una valoración especial. He llorado al verla, un poquito. Bueno, mucho. Hay algo que tiene de bueno, de especial, que no tienen muchas películas románticas, por lo menos de las que hasta ahora he visto (que, ciertamente, tampoco son demasiadas), y ese algo es que describe sentimientos reales. Igual es que me pilla sensiblera, que también puede ser, pero... no me había sentido tan identificada en un plano tan íntimo, por lo menos en mucho tiempo.

VECINOS INVASORES

Dirigida por Tim Johnson (Antz) y Karey Kirkpatrick (Imagine that), doblada en la versión original por Bruce Willis (Mira quien habla también, Vacaciones salvajes), Garry Shandling (Zoolander, Iron Man 2), Steve Carell (Melinda y Melinda, Pequeña Miss Sunshine, Mi villano favorito), Thomas Haden Church (George de la Jungla, Imagine that), Wanda Sykes (Clerks II, Hermano oso 2, El corral: una fiesta muy bestia), William Shatner (Boston Legal, The Twilight zone, Star Trek, Buzz Lightyear Comando estelar: la aventura comienza), Nick Nolte (El cabo del miedo, Tropic Thunder, Hulk, Hotel Rwanda), y Avril Lavigne. Estrenada para la temporada estival de 2006, con una duración aproximada de 80 minutos.

La película narra la historia de RJ, un mapache glotón y compulsivo, pero bastante mañoso, que ha tratado de robar las reservas de comida del oso del lugar, al ser descubierto, accidentalmente, la comida acaba en la carretera, y RJ se ve obligado a restaurarla. Ha comenzado la primavera, y la familia liderada por la tortuga Verne, compuesta por varios animalitos desamparados, despierta para dedicarse a la recolección, descubriendo que lo que antes era su gran bosque se ha convertido en una pequeña parcela rodeada por el seto, en medio de un barrio residencial. Con la ayuda de RJ, Verne y los suyos comienzan a hacer incursiones para buscar comida, y empiezan así los problemas de convivencia con los humanos.

En su momento pasó sin pena ni gloria, la que parecía ser la consolidación de Dreamworks como nuevo líder en el sector de la nueva animación, en 3D, pasó discretamente por la cartelera como una simple película para niños, otra más de las tantas que se estrenan cuando los peques terminan el cole. Sin embargo, es una muy buena película, divertida, no resulta sorprendente en su argumento, lo cual es una tara por estar dirigida en primera instancia al público infantil, pero que no es obstáculo para que un adulto pueda disfrutarla tanto o más. Además, su carácter infantil permite, por su ligereza y sencillez, verla sin estar a pleno rendimiento. Altamente recomendable. Finalmente, he de añadir, que es una historia adaptada de un cómic, que desconozco por completo, pero al que sería interesante echar un vistazo.

THE GAMERS

Obviaré director y actores, dado que no he encontrado por ningún lado una reseña, únicamente puedo decir a este respecto que tiene una duración aproximada de 48 minutos.

El argumento es bien sencillo, y realista. Una tarde de rol. Unos amigos, unas fichas, una vecina con mala leche, y que rueden los dados. Conforme los jugadores en la mesa construyen la partida, los personajes van viviendo aventuras.

Personalmente, me ha encantado. Me he reido lo que no está escrito. Retrata a la perfección la esencia del rol. Me ha hecho recordar los buenos tiempos, que aunque escasos, tenían mucho que ver con estas partidas. Pero, aparte de la nostalgia, es loable la calidad técnica, puesto que es poco más que un video de aficionados. Me recuerda a esos (web)cómics en los que el dibujo es malo, pésimo o simplemente, marginado, porque el buen guión los saca a flote. Es, en definitiva, lo que podría entenderse como la versión cinematográfica de los KODT. ¿Pegas? No ha sido doblada al español, lo cual no es malo, simplemente, que no ha sido distribuida por aquí. Tampoco sé si en inglés ha sido distribuida oficialmente. El caso es que tiene un fansub bastante decente (aunque alguna errata he visto, de las dolorosas), y si el inglés se os da bien, seguramente ni necesitéis subtitulos.

Altamente recomendable. Tanto, que no puedo evitar dejaros esta vez, y sin que sirva de precedente, el link desde el que yo la he conseguido (como no, desde Taringa, si no está allí, no existe):

http://www.taringa.net/posts/tv-peliculas-series/988315/The-Gamers-_Ilarante-Pelicula-para-Roleros_.html

EL ÁNGEL MÁS TONTO DEL MUNDO.

Escrito por Christopher Moore (¡Chúpate esa!), en 2004, primera edición española en 2008.

Se aproxima la Navidad en el tranquilo pueblecito californiano de Pine Cove, donde Papá Noel acaba de ser asesinado con una pala. Pero tranquilos, Josh lo ha visto todo, y ha rezado por que se produzca un milagro. Aunque igual el milagro acaba siendo... demasiado literal.

Una historia hilarante, con unos personajes cuando menos curiosos, que merece muy mucho la pena, se lee en un rato. No tiene grandes aspiraciones, es una novelita para matar el tiempo, narrada muy coloquialmente, hasta el punto que el narrador parece interactuar con el lector y con los personajes. La primera mitad (aproximadamente) enmaraña la historia hasta el punto de temer encariñarte o dar la razón a algún personaje, porque no puede acabar bien. Pero, allá por la mitad, se transforma completamente. No digo nada porque sería un spoiler muy gordo, pero es en realidad una novela de *******.

Altamente recomendable.

AIRBENDER, EL ÚLTIMO GUERRERO

Dirigida por M. Night Shyamalan (El sexto sentido, El Bosque, La joven del agua) y protagonizada por Noah Ringer, Dev Patel (Slumdog Millonaire), Jackson Rathbone (Crepúsculo: Luna nueva, S. Darko), Shaun Toub (Iron Man, Crash), estrenada en 2010, con una duración aproximada de 90 minutos. Basada en la serie de anime Avatar: la leyenda de Aang.

Cuenta la historia de Aang, la última encarnación del Avatar, aquel que puede dominar los cuatro elementos, y cómo tiene que enfrentarse a la Nación de Fuego para restaurar la paz y el equilibrio en el mundo.

Una gran historia que ha degenerado en una pésima película. Tenía muchísimo potencial, y se ha desperdiciado. Al director, que también es responsable del ¿guión? parecía importarle más unos efectos especiales "espectaculares" (que tal vez en 3D realmente lo sean) que un guión mínimamente natural. Los personajes se limitan a recitar frases tópicas y harto predecibles. No hay ningún giro de guión sorprendente, lo cual no tiene por qué ser negativo, si se juega con diálogos que no sean planos, y, en definitiva, se le da un poco de gracia al asunto. Pero no. Todo el potencial que tiene, en aspectos como, por ejemplo, la metáfora de la industrialización del fuego frente al equilibrio natural, que no digo que tuviera que haberse convertido en una historia catastrófica que te haga sentir un monstruo por contribuir a esa sociedad que denuncia, pero algo podría haber trabajado en esa dirección. E igual que en esa, en otras muchas. Las coreografías caían en muchos momentos en el patetismo, es otro aspecto que podría haberse cuidado un poco más, respetando la poesía de las formas sin que resultase grotesco. Y la escena final no me ha gustado absolutamente nada. No solo porque preludie una segunda parte, sino porque hace ver que bah, esta era solo para abrir boca, parece decir "eh, ya veréis, ¡lo bueno viene ahora!" y convierte a esta en una mera introducción. Pero no todo va a ser negativo, la estética me ha gustado, bastante fiel a la estética del anime (no sé si de este en concreto, porque no lo he visto todavía, pero sí del anime en general).

Personalmente, no me ha convencido los cinco euros que ha costado. Sin embargo, no ha estado tan mal. Me he reido bastante. Y me he quedado con ganas de ver el anime, lo pongo en lista de espera. ¡Quizás algún día llegue!

LESBIAN VAMPIRE KILLERS

Dirigida por Phil Claydon (Alone) y protagonizada por Paul McGann (Alien 3, Doctor Who para televisión, Los tres mosqueteros), James Corden (Whatever Happened to Harold Smith?, How to Lose Friends & Alienate People), Mathew Horne (Entertaining Mr Sloane), MyAnna Buring (Doomsday), Silvia Colloca (Van Hellsing), Vera Filatova (Agatha Christie's Poirot), y Lucy Gaskell (Dungeons & Dragons 2), estrenada en 2009, con una duración de 78 minutos.

Comienza con la historia de la que se convertiría en leyenda de la Reina Vampira, para después mostrar a Jimmy, un pobre chico al que su novia ha abandonado por séptima vez. Su amigo Fletcher acaba de ser despedido, y, ante unas cervezas, deciden irse de vacaciones, eligiendo un destino al azar lanzando un dardo sobre un mapa. Así, acaban haciendo senderismo en un pueblo dejado de la mano de Dios, en el que se topan con cuatro sexys jovencitas...

Ahí empieza la historia, los tópicos han empezado hace un buen rato. Y es que es, ante todo, una parodia del género. Recuerda a El Baile de los Vampiros (Roman Polanski), con toques de George de la Jungla y Scooby Doo. Tiene gags tontorrones y situaciones bastante disparatadas. Nació como el título más comercial que podría crearse, y a partir de ahí se construyó la película, retorciendo hilarantemente el mito de Drácula, del que no falta detalle.

La verdad es que no puede decirse mucho más, divertida, recomendable, para echarse unas risas solo o en compañía.

ENIGMA

Guión de Peter Milligan (Shade, el Hombre Cambiante), dibujo de Duncan Fegredo (Jay & Silent Bob, portadas de los números 1 al 14 de Lucifer), color de Sherilyn van Valkenburgh (The Creepers, Fábulas, Sandman).

"Se podría decir que todo empezó en Arizona, hace veinticinco años, en una granja. Era una granja normal y corriente de Arizona. El tipo de lugar donde tendrías relaciones sexuales con tus padres y acabarías disparando a alguien". Y tras esto, Arizona queda atrás, para sumergirnos en la monótona y cuadriculada vida de Michael Smith, de quien todavía no sabemos que se convertirá en nuestro protagonista, y de un salto nos plantamos, lejos de Michael, en el inicio del misterio. Otro salto, y una máscara. Así se presentan los elementos principales, para sumergirnos después en el desarrollo de la historia. Una historia de realidad alterada, de superhéroes y villanos más humanos y a la vez más inhumanos que nunca. Un enorme misterio que mantendrá en vilo hasta el final, y que se desvelará dejando en el lector la sensación de no haber resuelto apenas nada y de haberlo resuelto todo.

La edición recibe una introducción de Grant Morrison (Arkham Asylum, Sebastián O, Los Invisibles), en la que dice, entre otras cosas, que "este libro trata de la verdad pura", y más adelante, "La verdad es que las mentiras a veces son mucho más honestas de lo que parece. La verdad es una ficción que a menudo nos habla de nosotros mismos más de lo que preferiríamos. La verdad es que Enigma es uno de los mejores cómics que jamás se han escrito, porque con una alegría viciosa, expone las absurdidades y faltas de adecuación de nuestras esperanzas y miedos inútiles y de la amarga luz de la verdad. Nos muestra la condición humana como algo parecido a la caspa, pero no para ahí. Se ha descrito Enigma como un cómic existencialista, pero creo que es más que eso: aceptémoslo, ¿cuándo fue la última vez que os reísteis con Jean Paul Sartre? La alegría viciosa del humor de Enigma es tal que no sólo nos hace reír ni sonreír cuando reconocemos la nimiedad de los deseos y ambiciones humanas. También nos enseña que podemos ser libres, como Michael Smith, al no temer la verdad. ¡Y todo esto en un cómic!"

Lo compré sin saber nada de él, porque el guionista me atraía, y estaba de liquidación en Nostromo, y se quedó en la estantería criando polvo, hasta anoche. Le dí una oportunidad, y lo devoré de un tirón. Me encantó. El final, la última página, me parece sublime. Las viñetas a página completa, así como las escenas de calma, son deliciosas. Quizás Fegredo abusa de las líneas en las escenas de acción, pero eso no hace más que acentuar el efecto de confusión delirante que impregna toda la historia.

DAYBREAKERS

Dirigida por Michael Spierig y Peter Spierig (Undead, The Big Picture), protagonizada por Ethan Hawke (El club de los poetas muertos, ¡Viven!, Gattaca), Sam Neil (Jurassic Park, El hombre bicentenario, Merlín), Claudia Karvan (Star Wars II) y Willem Dafoe (Platoon, La última tentación de Cristo, Nacido el 4 de Julio, El paciente inglés, Spiderman). Estrenada entre enero y febrero de 2010, con una duración de 97 minutos.

Ambientada en el 2019, cuando una plaga vampírica ha prácticamente acabado con la humanidad, lo que conlleva escasez alimenticia para la nueva raza dominante. Los vampiros experimentan con la creación de sangre sintética para abastecerse, mientras tanto, grupos de humanos luchan por su subsistencia. El protagonista, un vampiro que conserva todavía humanidad suficiente como para tener reparos morales a la caza de humanos. Realmente, me gustaría seguir explicando la película, pero merece la pena verla, aunque solo sea por algunas escenas, que resultan realmente impanctantes, e incluso aberrantes hacia la tradición vampírica (pero como son infectados, no cuenta, ¿no?).

Vista en el cumpleaños de Aimarasama, sin prestarle excesiva atención al principio, es para verla en compañía, comentarla y hacer bromas... porque da mucho juego. Una de ciencia ficción, normalita, que quiere subirse al carro del vampirismo deformado tan de moda últimamente, y que sirve para entretenerse un rato.

FROM HELL

Guión de Alan Moore. Dibujo de Eddie Campbell. Un estudio sobre la identidad de Jack el Destripador, hecho cómic.

Aunque al principio resulta confuso, la historia de repente se ilumina, para mostrar un crudo dibujo de la sociedad victoriana. Los bajos fondos de Londres, y las más altas cúpulas masónicas se entrelazan para dar forma al misterio del "padre de la vigésima centuria". De refilón desfilan personajes de la época, desde el Hombre Elefante hasta la troupe de Buffalo Bill, pasando por Oscar Wilde.

Eddie Campbell retrata el Londres del XIX de una manera admirable, las representaciones gráficas de los edificios londinenses son dignas del mejor grabador de la época. Fascinan las imágenes, los diálogos son pura poesía, la violencia y la crueldad son elegantes, refinadas, humanas.

Me deshago en elogios ante esta obra maestra.

Sin embargo, no debeis despistaros. Existe por ahí cierta... abominación, homónima, que dice ser la adaptación cinematográfica. Realmente, mientras escribo esto, no la he acabado de ver. Pero he visto suficiente como para decir que es una BASURA. Johnny Deep, Ian Holm, os habéis humillado. En la película, os la destripo (jeje jeje) para que ahorréis 122 minutos y podáis dedicarlos a otra cosa, Johnny Deep adopta el papel del "visionario", que se pone ciego de opio, o de una combinación de absenta y veneno, y realmente ve escenas de lo que ocurre, sin embargo, sigue siendo solamente Abberline. Obviamente, es el máximo y único protagonista, y es poco menos que Dios, además su papel es muy similar al de Sleepy Hollow, pero con algo más de agallas. ¿Más barbaridades? Por supuesto, las hay. Las prostitutas son totalmente ridiculizadas y degradadas; si en la novela solo eran víctimas de la sociedad en la que vivían, aquí son fulanas sin más, seres despreciables, gentuza. Las bandas del East End cobran más importancia de las que tienen. Los asesinatos son tratados de manera demencial, luces y sombras y ritmo rápido... imprimiendo la sensación equivocada. La historia de la realeza es tan tremendamente tangencial que podría eliminarse de la película practicamente sin que se notase. Ian Holm, sir Ian ¿por qué? ¿Por qué te dejaste hacer algo así?. Gull se oculta, Gull no muestra su identidad, Gull no está orgulloso de lo que hace... Oh, y Mary Kelly y Abberline se tutean, oh, ¿por qué no me sorprende que Abberline le esté confesando a Mary todos sus superpoderes?. Y dice palabrotas. Abberline, de la clase media, pero caballero refinado, tiene peor lenguaje que todo el White Chapel junto. Eso sí es cuidar la ambientación, si señor.

Pero la pregunta, realmente es, ¿por qué sigo viendola? Queda una hora de basura, y es tarde.

Oh Dios mío, edit de última hora: el asesino demuestra su magistral habilidad anatómica extirpando el hígado ("escondido tras una membrana, se necesita gran conocimiento y precisión para haberlo encontrado a oscuras"), y de lo que se come medio y envía, ahora es un riñón. ¿Tanto costaba respetar los órganos al menos?

Entiendo sobradamente que Moore se avergonzase de este film... Yo también lo hago. Es gracioso que la Wikipedia lo clasifique como "drama, romance, comedia". Oh, eso lo explica todo: es de la Fox.

THE MAJESTIC

Dirigida por Frank Darabont (Pesadilla en Elm Street 3, La milla verde), y protagonizada por Jim Carrey (Olvidate de mi, Man on the moon, El Show de Truman), Laurie Holden (The Mist, apariciones ocasionales en Expediente X y en numerosas producciones para televisión) y Martin Landau (Con la muerte en los talones, Cleopatra, La historia más grande jamás contada, Ed Wood). Producida por la Warner Brothers, fue lanzada en 2001, y tiene una duración de 152 minutos.

Narra la historia del guionista Peter Appleton, quien está a punto de dar el salto de la serie B al gran cine, su vida es perfecta, todo le sonríe. Su última producción, Sand pirates of the Sahara (protagonizada, por cierto, a modo de cameo, por Bruce Campbell) le ha valido la luz verde para su gran proyecto, la gran obra de su vida. Pero todo se ve frenado en seco cuando es acusado de comunista. Ahoga sus penas, y decide perderse, viajar a ninguna parte. Completamente borracho, sufre un accidente de coche, cae por un puente, y aparece en la playa de un pueblecito en el que todo el mundo le conoce. Es Luke Trimble, uno de los muchos chicos que fue a combatir en la Segunda Guerra Mundial y nunca regresaron, el más brillante de todos ellos. Ahora que ha vuelto a casa, el padre de Luke decide reabrir el negocio familiar, un cine, y todo el mundo se vuelca en la tarea. Una de las películas que el pequeño cine, el Majestic, proyecta, es precisamente Sand pirates of the Sahara, y al verla, Peter recupera la memoria. Durante la proyección ocurre el detonante del desenlace: Harry, el padre de Luke, muere, sin llegar a saber la verdad. Tras el funeral, Peter le confiesa la verdad a la novia de Luke, y la que había sido su novia hasta el momento, Adele, que rehúye de su presencia. Entonces, Peter es descubierto y se le entrega la citación para declarar en juicio, haciendo pública su verdadera identidad ante todo el pueblo. Ahora, Peter debe elegir cuál es su auténtica vida, aquella por la que tiene que luchar, de una u otra manera.

Es una película que ha sido criticada, y valorada como el peor papel dramático de Jim Carrey. Sin embargo, resulta muy agradable. Se ha dicho de ella que homenajea y recupera el patriotismo de Capra frente al patriotismo de Rambo.

Personalmente, es una historia sencilla, y previsible, no obstante bien cuidada, que sirve de vehículo para mostrar el mundo del cine, del gran Hollywood, pero también de los pequeños pueblos a los que el cine suponía algo más que una distracción. Las palabras de Harry cuando presenta a Peter el Majestic son una declaración de amor por la gran pantalla, un elogio al cine como arte.

No es una obra maestra, pero no es una mala película. Aunque la historia sea vieja, y los sentimientos que busca ya están trillados, resulta entretenida, no se hace pesada pese a sus cerca de dos horas y media, y tiene una bonita y pintoresca ambientación de los años cincuenta.

LA PRINCESA PROMETIDA

Libro escrito por William Goldman, en 1973, que dio lugar a la película de 1987, dirigida por Rob Reiner (Cuenta conmigo, Cuando Harry conoció a Sally) y protagonizada por Robin Wright Penn (Forrest Gump), Cary Elwes (Hot Shots!, Drácula, de Bram Stoker, Las locas aventuras de Robin Hood), Chris Sarandon (Star trek, El Muñeco Diabólico, voz de Jack en Pesadilla antes de Navidad y en Kindom Hearts, voz de Kurotowa en Nausicaa), Mandy Patinkin (Yentl, Dick Tracy, Evita, Tan muertos como yo, Mentes criminales), Wallace Shawn (Manhattan, Melinda y Melinda, voz del director Veidile en Chicken Little, voz de Rex en Toy Story 1, 2 y 3), Christopher Guest(La tienda de los horrores, Algunos hombres buenos, Pequeños guerreros), André el Gigante (El Hombre de los Seis Millones de Dólares, Conan el Destructor).

Una preciosa historia, llena de amor, desamor, aventura, luchas, piratas, peligros, príncipes y princesas, ratas gigantes, espadachines, villanos y héroes... Un cuento para ser leído de niño, una novela para disfrutar en la adolescencia, un libro de cabecera... Una película para acompañar una vida. Magia, amistad y sentimiento. Una tierna fantasía que se ha ganado un hueco en los anales de la historia.

Reseñable la banda sonora, compuesta por el mismísimo Mark Knopfler, quien contó con la colaboración de Willy DeVille para el texto de la canción principal.